Il corsetto di Kahlo, tuffati il ​​dinosauro e gli abiti fatti esplodere di Hiroshima – Edinburgh Art festival | Arte

eIl Collettivo di Dinburgh è la galleria più bella della Gran Bretagna, arroccata sulla cima di Calton Hill con viste magnifiche di Arthur’s Seat e del mare oltre Leith. Purtroppo ogni volta che ci vado, l’arte è spazzatura. Il cartone animato marxista di Ruth Ewan The Beast è conforme agli standard sciatti di questa galleria. Andrew Carnegie, l’industriale scozzese che divenne uno dei più ricchi filantropi degli Stati Uniti, viene rimproverato dal suo stesso dinosauro “Dippy”, il famoso diplodocus il cui scheletro ha esposto a Pittsburgh mentre inviava calchi ai musei di tutto il mondo, tra cui il British Natural Museo di Storia, come ambasciatore della pace nel mondo.

Il film di Ewan vede Dippy rimproverare un Carnegie in kilt per aver nascosto il suo capitalismo spietato dietro una generosità che includeva la fondazione di 2.509 biblioteche in tutto il mondo. Questo non si lava con Dippy. “Trasformati in polvere, Andrew Carnegie!” lei esorta. L’animazione è tanto schifosa quanto l’argomento è unilaterale.

un dettaglio da La bestia di Ruth Ewan
Berated… un dettaglio di The Beast di Ruth Ewan Fotografa: Ruth Ewan

Eppure il suo tema della filantropia scozzese è condiviso dalla migliore mostra al festival d’arte di Edimburgo, A Taste for Impressionism alla Scottish National Gallery, Down on the Mound. Questa mostra celebra ricchi collezionisti d’arte scozzesi, in particolare Alexander e Rosalind Maitland, che acquistarono capolavori dell’arte moderna francese e li lasciarono in eredità al pubblico. Questa potrebbe non sembrare una ricetta per l’eccitazione, anche con la sua tanto segnalata rivelazione di un autoritratto nascosto di Van Gogh sul retro di uno studio per The Potato Eaters. Ma è un’irresistibile scatola di caramelle per gli occhi con qualche bicchierino di assenzio buttato dentro.

Monet’s Haystacks: Snow Effect è un abbagliante dipinto onirico del 1891 in cui la luce argentata e blu riflessa dalla neve trasforma due pagliai simili a pagnotte in astrazioni eteree contro un cielo rosa. Il paesaggio della Martinica di Gauguin lo eguaglia nell’intensità astratta dei suoi rossi e verdi, cucinando un calore tropicale che dissolve la realtà. Questa cavalcata di rivoluzioni percettive è anche protagonista di Courbet, Millet, Pissarro e Cézanne, e un bronzo di Degas di una donna che scopre tutto nella vasca da bagno la cui esplicitezza non ha eguali oggi tranne Tracey Emin, i cui nudi sono allo Jupiter Artland di Edimburgo per confronto. Si culmina con il Jazz di Matisse. Si vede con nuova chiarezza come Matisse, in queste stampe degli anni ’40 che si identificano con la musica afroamericana, ha espresso il suo odio per il nazismo e la fede nella libertà: i suoi colori ritagliati in continua trasformazione modellano e rimodellano le impressioni spontaneamente come un assolo di bebop.

Irresistibile... Ulivi, 1889, di Vincent Van Gogh.
Irresistibile… Ulivi, 1889, di Vincent Van Gogh. Fotografia: Gallerie nazionali della Scozia

Come lo segui? La piattaforma dell’Istituto francese è pubblicizzata come un palcoscenico per artisti scozzesi “emergenti”, ma questo ti fa chiedere come devono essere giudicati: studenti o professionisti a pieno titolo? C’è la sensazione qui che gli artisti siano troppo coccolati, che se la cavano con cose insignificanti. Forse la Scozia ha bisogno di critici d’arte più cattivi. Mi piace la stanza di Lynsey MacKenzie con i dipinti astratti rosa, arancioni e gialli, spazzati dal vento e purificanti, eppure ha bisogno di un’altra dimensione, un po’ di pensiero più duro per renderli grandiosi.

Poi forse questa perdita di scopo ed energia nell’arte è un fenomeno mondiale. Al Talbot Rice, il tipo di spazio stranamente arbitrario che ti fa chiedere perché qualcuno abbia pensato che sarebbe stata una buona galleria d’arte, un sondaggio della londinese Céline Condorelli solleva preoccupazione se qualcuno sta imponendo il controllo della qualità da qualche parte ora. Le installazioni di Condorelli includono piante e celebrano i parchi giochi, nonché l’architettura modernista del Brasile. Mi sembra di averlo visto un centinaio di volte prima. Vaga retorica utopica semicomprensibile si mescola a collezioni di oggetti trovati e cocktail di colore che non hanno alcuna risonanza emotiva. Questa è un’arte che esiste solo perché qualcuno ci scriva una tesi.

Puoi vedere l’arte che vive e respira a Stills, un centro fotografico circondato da caffè per turisti in una strada che scende dal Royal Mile, dove la giapponese Ishiuchi Miyako ha una piccola ma sconvolgente retrospettiva delle sue fotografie incredibilmente intime. Attraversando l’ingresso del negozio della galleria ti ritrovi circondato da abiti sfilacciati e strappati ma squisitamente colorati: un abito blu e bianco che è stato selvaggiamente strappato, abiti di pizzo che sembrano carbonizzati e rosicchiati da falene giganti. Ciò che rende queste fotografie così inquietanti sono l’illuminazione e il colore perfetti di Ishiuchi, che senti che deve aver passato mesi a ottenerlo. E poi ti rendi conto di cosa sono.

Nuova prospettiva sulla tragedia... Hashimoto, H.
Nuova prospettiva sulla tragedia… Hashimoto, H. Fotografia: Ishiuchi Miyako/Per gentile concessione di The Third Gallery/Alambicchi

Questi sono gli abiti delle vittime della bomba atomica sganciata su Hiroshima nel 1945. Ci vuole un artista serio per esporre una prospettiva genuinamente fresca su una tale tragedia, ma queste immagini stranamente belle ti fanno vedere l’orrore come se per la prima volta: il abiti fatti a pezzi negli armadi o corpi strappati e bruciati, le loro mode fragili e delicate, che ancora testimoniano tutta la varietà di vite che si erano calmate in un momento. Ishiuchi porta la stessa intimità inquietante alle immagini dei beni della sua defunta madre e al corsetto medico di Frida Kahlo, apparentemente in grado di far entrare la sua macchina fotografica all’interno degli oggetti, per toccare i fantasmi.

In fondo alla collina della Fruitmarket Gallery c’è un’ulteriore prova che l’arte può sfuggire al corsetto della curatela ideologica per esprimere qualcosa sull’essere vivi. Daniel Silver ha creato un mondo pazzesco di persone in ceramica, messe insieme con una sciatteria selvaggia ed esilarante e poi dipinte con colori da capogiro. Piccole figure sono disposte su tavoli con enormi gambe umane di argilla e un “pubblico” di facce smorfie ti fissa, mentre gambe giganti casuali occupano un terzo spazio tutto loro. La gente di Silver dovrebbe essere assurda, come Carnegie e il suo dinosauro. Ma la differenza è l’empatia. I suoi volti e corpi di argilla possono essere ridicoli, ma ti sei guardato allo specchio ultimamente? Noi siamo loro. Ognuno di questi esseri vulnerabili e isolati è una rappresentazione espressionista dell’esistenza umana. Silver fa eco ad Auerbach e Baselitz e sono tra i migliori artisti a cui fare eco.

C’è una vera profondità in questo festival d’arte, e anche le cose più sciocche sono, dopo tutto, una scusa per esplorare una delle città più straordinarie d’Europa. Non perderti i Dovecot Studios, vicino al South Bridge, dove puoi osservare i tessitori al lavoro e vedere una retrospettiva del defunto modernista scozzese Alan Davie. Al momento della sua morte nel 2014 il non agenario Davie non poteva sembrare meno rilevante. Eppure questa mostra lo conferma come un artista dal potere pungente, lo scozzese Jackson Pollock, che ha acceso la fiamma dell’arte astratta in una Gran Bretagna che aveva poco tempo per essa. L’arte o ha coraggio e visione o no, e i dipinti grezzi e schizzati di Davie ce l’hanno a palate.

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