Se questi splendidi ornamenti potessero parlare

Se questi splendidi ornamenti potessero parlare

“The Clamor of Ornament”, una nuova abbagliante mostra al Drawing Center, raccoglie quasi 200 disegni, incisioni, fotografie, tuniche e intrecci per raccontare una storia complicata, che abbraccia cinque secoli, di scambio culturale e appropriazione.

I curatori definiscono l’ornamento come “abbellimento, di superficie o strutturale, che può essere sollevato dal suo contesto, rielaborato, riprodotto e ridistribuito”. Questa ampia descrizione dà loro spazio per includere quasi tutto, e lo fanno: ci sono xilografie di Albrecht Dürer dei primi anni del 1500, un dipinto su corteccia di un artista anonimo della Papua Nuova Guinea, una serie di torte e pasticcini in bianco e nero che l’illustratore Tom Hovey ha disegnato per una versione di un libro da colorare di “The Great British Bake Off”.

Un ingegnoso design espositivo ti fa immaginare questi scarabocchi e fronzoli che saltano per il mondo come se fossero totalmente privi di peso. Uno dei Dürer, un tondo di pizzo ispirato al disegno di Leonardo da Vinci di un disegno ottomano, è appeso accanto a un poster del 1968 di Bob Dylan con un cerchio simile sulla fronte; altrove, in una serie di acquerelli e xilografie del XIX secolo, motivi tessili rimbalzano tra India, Europa e Giappone.

Non c’è niente di sbagliato nel tondo sulla fronte di Dylan, ovviamente, o negli altri cerchi che lo stilista Martin Sharp usava per raffigurare i capelli del musicista. Ma nel 19° secolo, quando tali modelli erano di gran moda nell’Europa occidentale, erano associati a nozioni razziste di “Oriente” – una fantasia costruita per romanticizzare le stesse persone che quegli europei stavano conquistando e derubando.

Puoi vedere la storia d’amore nell’affascinante dagherrotipo d’argento di Joseph-Philibert Girault de Prangey di una moschea egiziana o in un disegno, attribuito all’architetto di corte persiano Mirza Akbar, del tipo di intricato lavoro su piastrelle che ha ispirato l’architetto inglese Owen Jones a scrivere uno studio prescrittivo lungo un libro sulla decorazione artistica e architettonica. (Il libro di Jones “The Grammar of Ornament”, pubblicato nel 1856, è l’ispirazione per il titolo della mostra.)

Anche “Clamor of Ornament” offre prove della spietatezza dell’industrializzazione e del colonialismo, almeno come si è mostrato nell’art. C’è il disegno del “Forte Rosso, Delhi, Arredato secondo il gusto inglese”; il mango stilizzato del Kashmir derubato dalle fabbriche tessili nella città scozzese di Paisley; la bandiera americana inclusa in una tessitura Navajo realizzata dopo che i Navajo erano stati confinati in una riserva dove dovevano importare lana. (Nel suo erudito saggio in catalogo, Emily King, co-curatrice della mostra, cita lo storico dell’economia Kazuo Kobayashi dicendo che i cotoni fabbricati in India “erano i mestieri più importanti in cambio di schiavi africani.”)

Vedete anche persone che usano l’appropriazione per respingere l’oppressione e la cancellazione culturale. Ma nessuno di questi scambi è semplice. Il designer di Harlem Dapper Dan, che appare qui attraverso diverse fotografie, ha aperto la strada a una nuova visione dello stile nero che ha preso in prestito loghi aziendali e di moda, un’innovazione che è stata a sua volta appropriata da quelle stesse società. L’artista Wendy Red Star annota le foto storiche dei diplomatici Crow, restituendo significato a piume e fiocchi per capelli che gli americani bianchi contemporanei hanno sminuito e frainteso. Ma quel significato arriva con una specie di violenza propria. Un fiocco per capelli, scrive, rappresenta “il superamento fisico di un nemico e il taglio della gola”.

Alla fine, la mostra non fa argomentazioni tanto quanto ne presenta un’intera schiera: un clamore concettuale che approfondisce e amplifica l’esperienza visiva già travolgente. Da un lato, mentre le discussioni sull’appropriazione culturale diventano sempre più accese e perdono sempre più sfumature, abbiamo un disperato bisogno di ricordi come questo di quanto sia ancora difficile districarsi tra le realtà. D’altra parte, come visitatore della mostra, ho finito per dedicarmi a una mia decontestualizzazione, escludendo le etichette da parete sgargianti ma informative, disegnate dallo Studio Frith, e concentrandomi invece sui piaceri sensuali di un ambiente climatizzato galleria piena di una straordinaria collezione di bellissimi oggetti.

Alcune persone potrebbero essere attratte dai colori audaci della trapunta Gee’s Bend di Emma Pettway (2021), dalla serie di blocchi di legno di Toyohara Kunichika del 1864 “Flowers of Edo: Five Young Men” o dal muro temporaneo ricoperto da un motivo francese del XVIII secolo chiamato “Reveillon Arabesque”. 810”. Ma mi sono ritrovato a gravitare verso le certezze più semplici e monocromatiche dei poster tipografici stravaganti di John Maeda; di un “Tapa Cloth Fragment” a zigzag dall’Oceania; o di un esemplare di scrimshaw del XIX secolo. Lungo appena sei pollici, l’osso inciso mostra una balena densamente tratteggiata circondata da marinai in difficoltà mentre distrugge la loro baleniera. Era inebriante considerare che l’intera piccola scena, piena di dramma e pathos, potesse essere solo un altro pezzo di ornamento fluttuante.

Il clamore dell’ornamento: scambio, potere e gioia dal XV secolo ad oggi

Fino al 18 settembre al Drawing Center, 35 Wooster Street, Manhattan; (212) 219-2166, drawingcenter.org.

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